Cine: Mad Max - Fury Road

Dir: George Miller

Una de las partes más difíciles de escribir una reseña es encontrar la manera de ser objetivo en lo que escribes. Eso es especialmente importante si estás escribiendo una reseña en estos días en donde, para el momento en el que sea publicada, habrá otros millones de reseñas disponibles en montones de sitios distintos (algunas incluso de menos de 140 caracteres).

Así, me enfrento ante la imposibilidad de ser objetivo al expresar mi opinión sobre la nueva película de Mad Max. En vez de expresar datos duros para parecer que estoy siendo objetivo en este escrito, voy a hacer lo contrario:

Fury Road es una actualización de la segunda entrega de la serie, viniendo a reemplazar los sucesos de aquella Mad Max 2 de 1981. Si bien la actualización no era del todo necesaria en términos de historia y desarrollo de los personajes, sí era muy necesaria y está muy bien agradecida por la mayor parte de la audiencia en términos de acción y efectos especiales.

No se confundan, Fury Road es una película de acción, quizá la más grande que he visto hasta el momento. Este comentario no es gratuito y, de nuevo, debo entrar aún más en terrenos subjetivos para probar mi punto.

Mi papá era fan de las películas de acción y mis hermanos y yo, creciendo en un hogar sin televisión por cable, nos desvivíamos viendo las películas que pasaban en canal 5 (de la Ciudad de México). Crecí entre Duro de Matar, Terminator, Mad Max y un larguísimo etcétera. Ellos fueron mis primeros héroes antes de que me empezara a convertir en un entusiasta de los cómics.

Todos sabemos que las películas de Duro de Matar y Terminator han tenido que claudicar ante la censura y lo pusilánime con tal de ganar mejores lugares en taquilla (también sabemos que eso les ha servido de poco). Lo primero que viene a la mente con la mención de un remake o de una nueva entrega de una cinta clásica de acción es la frase "seguro va a estar del asco".

Curiosamente, con Mad Max pasa lo contrario. George Miller no solo es capaz de entregar una historia y una cinta a la altura de sus clásicos, sino que las actualiza a los tiempos modernos, dándonos una obra maestra del género.

Esta no es una cinta que haga concesiones, no se trata de una cinta fácil (en el sentido de que es difícil abrir lo suficiente los ojos y los oídos para captar todo lo que sucede) ni difícil (en el sentido de que es fácil seguir la historia que está pasando en la pantalla y relacionarse con los personajes y sus situaciones). Dan ganas de gritar al verla, dan ganas de reír. A momentos dan ganas de abrazar a alguien y luego dan ganas de ponerle unos putazos. Así son las películas de acción. Es por lo que nos subimos a las montañas rusas en primer lugar.

En verdad, ¡qué día tan hermoso!

Trailer:

Cine: The Dark Knight Rises

 

Dir. Christopher Nolan

 

Yo creo que ya no le arruino el show a nadie, pero si alguien aún no ha visto la cinta y le interesa sorprenderse por la misma, aquí vienen los spoilers, deje de leer en este momento.

 

La última entrega de la trilogía de Christopher Nolan inspirada en Batman deja muchas preguntas sin responder... y no, no se tratan de preguntas respecto a la trama, sino que la principal pregunta es: ¿Qué demonios pasó?

 

The Dark Knight, la secuela anterior, se sintió como una película enorme, incluso más grande que la primera parte. Escena tras escena, Nolan nos mostraba una historia cautivante de lucha entre el bien y el mal a distintos niveles. Sin duda es una película que rompe por completo con la idea de que todas las segundas partes son malas.

 

Pero The Dark Knight Rises vino a convertirse en esa temida mala segunda parte. No funciona ni como secuela de Batman Begins, con la que guarda más relación, por cierto...

 

En vez de hacer uso de las miles de historias que podría haber explotado a través de las premisas que él mismo se puso en sus películas, Nolan decidió (o le impusieron, no estoy seguro) seguir la fórmula preestablecida de las cintas de superhéroes: en la tercer película hay que meter a 3 villanos.

 

Bane es un personaje interesante en los comics, pero nunca al nivel de un personaje como Joker. Catwoman es un personaje que ha pasado por una serie de transformaciones también interesantísimas, pero jamás podrían ser comprimidas en 3 horas de películas (por mejor trabajo que haya hecho Anne Hathaway). Y Talia Al Ghul funciona excelentemente como adversaria principal, si tan solo no la hubieran usado solamente en los últimos 20 minutos de cinta...

 

Y también está el final, un final feliz metido con calzador en medio de una trilogía oscura. Es ridículo que un total de casi 9 horas (más bien 6, tomando en cuenta solo las dos primeras cintas) de giros oscuros e historias nada complacientes, culmine en un final al estilo "vivieron felices para siempre"...

 

Las mismas premisas de Nolan se ponen en contra de la narración del final de su historia. El mismo Bruce Wayne que no acababa de entender lo que era un sonar o que en ningún momento se vio modificando sus propios artículos (para eso tenía a Morgan Freeman), de pronto es capaz de realizar modificaciones sobre equipo ultramoderno... y además, seguramente, en su tiempo libre entre persecuciones, peleas, pleitos económicos, recuperación de una fractura de espina y escape de una prisión en medio oriente.

 

Como bien lo comentaban en Cracked.com, te das cuenta de qué nivel tiene la historia cuando deciden hacer más interesante la película usando la única debilidad de Batman: la pobreza.

Clásicos del cine de culto: Pulp Fiction

Pulp Fiction

Dir: Quentin Tarantino

Lionsgate / Miramax, 1994

La belleza de este clásico indiscutible del cine de culto radica en el excelente desempeño de Quentin Tarantino como director. Esta cinta rompió con todas las fórmulas de la época, ya sea que la tomemos como una película de acción o como una cinta alternativa. Tarantino hizo uso de tomas largas que incrementan la tensión de las escenas y diálogos memorables que le dan no solo un carácter humano, sino hasta cotidiano a las acciones totalmente fuera de serie que nos son presentadas.

La fuerza de las imágenes (tanto visuales como interpretativas) que presenta la cinta no solo cambiaron la forma en la que se hace el cine a partir de aquellos años, sino que inspiraron a toda una generación de directores y productores a contar las historias de una manera distinta.

Tarantino, aquí, hace lo que mejor sabe: cuenta una serie de historias entrelazadas jugando con la temporalidad y la capacidad de atención del espectador. Si cada una de las historias se presentaran por separado o, si se presentaran de un modo lineal, no tendrían ni remotamente el mismo efecto.

Hace apenas unos meses se reeditó este clásico en una versión restaurada y remasterizada (autorizada por el mismo Tarantino) en un disco Blu-ray que contiene una buena cantidad de extras, incluyendo una serie de entrevistas con casi todo el elenco de la película que ofrece un excelente panorama del proceso de filmación tras la cinta.

Extremadamente recomendable.

Cine: X-MEN First Class

X-MEN First Class
Dir: Matthew Vaughn

Para aquellos que no lo sepan, y a diferencia de lo que la cinta de 1989 de Tim Burton, Batman, nos hizo creer, el Guasón no creó a Batman y Batman no creó al Guasón. Las libertades creativas que se tomaron para la realización de esa película aún hoy en día se consideran como unas de las más terribles entre los fanáticos.

Sin embargo, hay que reconocer que sería francamente aburrido ver en cinta el origen de un personaje o su historia exactamente de la misma manera en la que fue contado previamente. Son precisamente esas libertades creativas las que aderezan dichas historias y las convierten en algo nuevo y disfrutable. La cuestión reside en no tomarse demasiadas libertades creativas.

X-MEN First Class narra una historia de orígenes. El foco de la historia es el origen de la relación antagónica entre Charles Xavier y Magneto, ambientada a finales de la década de los 60s y con la amenaza de una guerra termonuclear como telón de fondo. No se trata de una historia compleja y, sin embargo, cumple bastante bien con sentar los antecedentes necesarios para lo que se presentó en las 3 películas principales de X-Men.

Las actuaciones son buenas dentro de lo que se espera de una película de esta naturaleza. Aún así, la actuación de Michael Fassbender me parece de lo más rescatable de la cinta, llevando la carga dramática en todo momento. La actuación de Kevin Bacon como el principal antagonista de la cinta es también bastante buena.

En fin, para los que se quejan de la inconsistencia con respecto a los cánones históricos de los X-Men, les recomendamos que tomen esta historia como solo eso: una historia más.

Cine: The Lincoln Lawyer

The Lincoln Lawyer
Dir: Brad Furman

Hace mucho que no me metía a ver una película sin muchas espectativas y dejaba que la película me volara la cabeza.

Ahora, no me malinterpreten, The Lincoln Lawyer no es la novena maravilla ni mucho menos. Simplemente se trata de una película muy buena. Su trama es excelente con el número de giros sorpresivos (pero a la vez esperados, lo cual es bueno) exacto para mantener la atención del público. Las actuaciones son bastante buenas y la historia en sí es algo que me llama mucho (soy fan de las historias policiacas).

Considero innecesario comentar más al respecto. Aprovechen para ver esta cinta y disfruten de una historia ágil, inteligente y con toques de buen humor. Excelente para ser una película comercial.

Cine: Thor

Thor

Dir: Kenneth Brannagh

Hace poco leí por allí un comentario que decía que su autor ya no podía decidirse entre disney, pixar o marvel por el premio de quién hacía las peores películas. Me da gusto anunciarle a esa persona que no es necesario decidir, puesto que, en realidad, la lana para las tres productoras sale del mismo sitio hoy en día.

Thor es una combinación entre un drama shakespeariano (la especialidad de Brannagh) y una película de acción de alto presupuesto. Ahora, todos sabemos que una combinación de esta naturaleza es completamente imposible de lograr, esta cinta nos muestra que no estamos equivocados.

La acción es buena y rápida, sin efectos para la trama. La trama es buena, pero se queda corta. Los efectos están a la altura de lo que se esperaba, pero eso no hace a la película buena... En fin, al final, Thor deja con poca satisfacción y solo unos cuantos caramelos visuales.

Una cosa muy rescatable de la cinta es el villano. Loki es uno de los villanos más importantes del universo Marvel y, a la vez, uno de los menos apreciados por el público. Los villanos de las cintas de Marvel han probado hasta ahora ser o bien unos segundones (¿alguien ubica al Iron Monger de los comics?), o bien unos muy mal interpretados buenos villanos (el Dr. Doom no se la creía ni él y Galactus era nomás una nube en el cielo), pero Loki mantiene ese aire de devastación psicológica que lo caracteriza y su icónico modus operandis.

El personaje de Thor, por otro lado, sufre de una transformación psicológica inexplicable cuando se entera de que su padre ha muerto... Disculparán ustedes si no me la creo...

Les ruego, por favor, que si son fans o están interesados en los planes cinematográficos de Marvel, no se retiren de la sala de cine hasta que terminen los créditos. La escena final presenta guiños a lo que será la cinta del Captain America (que, esperemos muestre a otro gran villano) y a la cinta de Avengers.

Cine: Inglorious Basterds

Inglorious Basterds

Dir. Quentin Tarantino

No voy a ser objetivo en este comentario... y realmente no me interesa serlo. ¡Es Quentin Tarantino quien dirige! ¿Qué voy a hacer, decir que es mala? Jamás.

Pero no se trata solo de que sea fan o no. He escuchado comentarios de personas que nunca habían visto una cinta de Tarantino antes (la persona que amablemente me acompañó es una de ellas) y que les gustó mucho.

Para quien haya visto una cinta de Tarantino antes, saben a qué atenerse: escenas que a veces rayan en lo incómodo, humor negro, diálogos más que ingeniosos (en este aspecto es donde tiene su principal virtud la cinta) y, por supuesto, montones de referencias (y autoreferencias).

La trama nos sitúa en la Francia ocupada por los Nazis y nos pasea por campiñas, teatros, restaurantes lujosos, tugurios, entre otros escenarios, todos con una personalidad propia, un sentimiento particular que genera cada color, cada textura. Conforme la trama avanza, nos envuelve en una historia de venganza como solo Tarantino podría contarla. Si bien la historia principal es aquella de los Bastardos, lo que sucede alrededor de ella se convierte poco a poco en detonante para generar un clímax explosivo.

Las actuaciones son magníficas (hasta Brad Pitt encuentra un lugar ideal para su actitud charlatana y desenfadada característica al ser dirigido por Tarantino por primera vez). Los diálogos se alimentan mucho de esas actuaciones y... bueno... sabrán a los pocos minutos de iniciada la cinta quién es el personaje que se sitúa al centro de la historia.

La música, no se diga. Como siempre, un soundtrack excelente, característico de Tarantino, mezclando influencias, sentimientos, imágenes y sonidos como si fuera una ensaladera gigante. El resultado se sabe fresco como una ensalada césar.

Cine: [REC]2

[REC]2

Dir. Jaume Balagueró y Paco Plaza

Muchas veces sucede que, si te explican un chiste, éste deja de ser tan gracioso como lo era cuando te lo contaron por primera vez. A mí me pasó eso con REC 2.

No malinterpreten, se trata de una película buena y -si no tomamos en cuenta algunos detallitos en las actuaciones- está bien como para disfrutar una tarde en el cine o una noche en cama.

Las locaciones, el idioma, la cercanía de la acción... todo converge para llevarnos una vez más a esas situaciones fantásticas donde te ves rodeado de seres deseando tu carne (para comersela, claro). Nuevamente, de algún modo inexplicable, los directores logran situarnos en una situación de peligro que vivimos sin vivir realmente... Las imágenes, la expectativa... todo... se cae misteriosamente y se disuelve en una especie de justificación para todo lo que pasó durante las dos películas.

De nuevo, el hecho de que a mí me parezca que con un REC fue más que suficiente no le quita lo bien realizada y ejecutada que está la segunda parte. De hecho, le damos puntos extra por el hecho de que muestra en pantalla la forma más original de acabar con un zombie que he visto hasta el momento.

Sugerencia: verla con la luz apagada, en la noche y con una buena cantidad de humor negro a la mano.

Cine: [REC]

Dir: Jaume Balagueró y Paco Plaza

Quizás pueden pensar que eso de "Experimenta el terror" ya está muy usado y no llama la atención de nadie, lo cual es cierto en muchos sentidos. También habrá quienes piensen que el género de cine de zombies ya no es lo que era hace 30 años.

Aún así, [REC] no ofrece más de lo que promete. No es la cinta que revolucionará el cine de terror, pero sí es un excelente platillo audiovisual para aquellos fanáticos del género.

Existen dos cuestiones que, considero, convierten a REC en una película muy especial. La primera es su país de origen: España. Resulta bastante sorprendente cómo los españoles comprenden tan bien un género que tiene sus principales puntos fuertes en Estados Unidos. El idioma de la cinta ayuda mucho a que, uno como latinoamericano se sienta más entrelazado a la cinta.

Y ese, es precisamente el otro aspecto del que hablaba. La facilidad con la que uno se inserta dentro de la trama es increíble. Uno puede perderse fácilmente e imaginar sin ningún problema que se está ahí, corriendo por tu vida, sobreviviendo...

Una de las cintas de zombies más disfrutables e inteligentes que he visto últimamente. Habrá que ver Diary of the Dead a ver si Romero se la gana o no.

Cine: The Dark Knight

Dir: Christopher Nolan

¿Que por qué hasta ahorita?

Es una larga historia que involucra demasiadas estupideces de mi parte... En realidad no tiene mucha importancia.

En fin... hablemos de The Dark Knight.

Sin duda, la mejor película del año, en tantos sentidos que, incluso a usted, estimado lector, si resulta ser neófito en estos asuntos, le parecerá ridículo lo que estoy a punto de enunciar:

Lo que hace a The Dark Knight una película enorme no tiene que ver con el renombre que tiene Batman como personaje o con el hecho de que se trata de la última película que habrá de filmar uno de sus protagonistas. Tampoco lo es el hecho de ser la primera cinta filmada en formato IMAX (por lo cual, resulta ser el formato en el que mejor se disfruta).

Lo que hace enorme a la cinta es más bien la trama que la guía, la tensión entre los personajes, etc. En resumen, podemos decir lo siguiente sin caer en el viejo truco de contar la trama:

The Dark Knight combina los mejores elementos de las cintas épicas y de los thrillers psicológicos e, incluso, ha llegado a superar a su predecesora (Batman Begins) en este sentido. Obviamente queda muy por encima de los ensayos de Tim Burton sobre el personaje, convirtiendose en el nuevo modelo a seguir, en el nuevo rostro y emblema de Batman, incluso mucho más reconocible que su versión en cómic que, hasta el momento, era la que marcaba la pauta. El tratamiento de Nolan a la historia es mucho más al estilo de Martin Scorcese que al estilo de las grandes producciones hollywoodenses, se trata de una lucha entre el bien y el mal, pero olvidando por completo el esquema fantasioso que rige a las películas de superhéroes.

El tratamiento de los personajes deja al erudito del noveno arte babeando por horas enteras. Se trata de un tributo honesto a la relación que enmarca a la triada que vemos hoy en pantalla. Batman-Joker-Harvey Dent forman un triángulo (¿podemos llamarle enemistoso?) que genera una tensión muy especial. Por supuesto, Nolan es un experto en el manejo de estas tensiones entre personajes desde Memento, una de sus mejores cintas.

La música de Hans Zimmer es excepcional y su manejo a lo largo de las 2 horas 30 minutos de película es impresionante. En verdad hay momentos en los que un simple sonido blanco sostenido por unos minutos convierte una escena aparentemente sencilla en un verdadero tormento para la tranquilidad mental. Épica por momentos, sencilla en todo sentido y completamente acorde con la ocasión.

La actuación de todos los involucrados es destacable. Al final es Batman (encarnado nuevamente por Christian Bale) el personaje que menos nos debe tener interesados (eso ya lo hizo en la precuela). El personaje de Alfred gana protagonismo y Michael Caine se luce en su papel. Morgan Freeman es simple pero eficaz, como siempre. Aaron Eckhart realiza un trabajo estupendo y, obviamente es Heath Ledger quien se lleva las palmas al final (en la función a la que fui primero, literalmente le aplaudimos en más de una ocasión), aunque eso, no se confundan, no tiene absolutamente nada que ver con lo que le pasó.

No digo más acerca de la cinta por temor a resultar tendencioso, pero sí me atrevo a decir que se lleva de calle a Iron Man y a Hulk... a ver si los de Marvel aprenden a hacer películas más serias, en lugar de churros para niños que los nerds terminan odiando.

Cine: The Happening

The Happening
Dir: M. Night Shyamalan

Las películas de Shyamalan son un mundo en sí mismo. Su forma de narrar una historia es capaz de engañar, seducir y truquear al espectador de maneras extrañas... En ese sentido, The Happening es un fracaso.

¿Qué es exactamente The Happening? ¿Cómo la debe uno evaluar? ¿Qué sentido es el que realmente guarda?

En mi opinión, la cinta es un enfoque distinto y nuevo para el director. Ya demostró sus habilidades como narrador (incluso llegó al límite de lo entendible con Lady in the water) y sus habilidades como creador de mundos (en la que sigue siendo mi favorita de sus obras: The Village).

Esta vez, Shyamalan no se repite a sí mismo, no sigue la vieja fórmula que él solito se inventó. Esta vez no juega con nuestras mentes en un intento por confundirnos hasta que le rindamos tributo por lo cabrón que es.

No, en ésta ocasión el mensaje es simple, directo, sobrecogedor. Es un mensaje que hace referencia a un tema que tiene preocupado a muchos... No voy a decir de qué se trata para no arruinar la trama. Lo que sí puedo decirles es que hay algunas escenas gore que valen bastante la pena.

Repito mi pregunta: ¿Qué es exactamente The Happening? Para cada quién será diferente. Para mí es algunos sustos envueltos en buenas escenas, un protagonista competente y una mujer muy bella, un mensaje un tanto derechista, sangre (mi mero mole) y una confirmación de por qué me encabrona el color verde.

Cine: Iron Man

Personalmente, tengo la misma opinión de Iron Man que de Juno. Los dos son héroes de la ultraderecha gringa. Los dos representan a lo conservador y lo buena onda al mismo tiempo, lo cual es, esencialmente, una pendejada. Y bueno, la verdad sea dicha, Robert Downey Jr. es capaz de despertar la simpatía del público mientras lo vemos avanzar en su cruzada (diminuta, por cierto) por el método de prueba y error; sin embargo, no logra despertar empatía en el público.

El personaje nunca llega a conmovernos y no llegamos a identificarnos con él (o al menos yo no pude). El romance sesgado que guarda con su asistente no termina de generar una atmósfera propicia para que el público se pierda en él. Su antagonismo con el que alguna vez fue su tutor no es algo tan nuevo como para que nos sorprendamos... Aún así, como entretenimiento de hora y media, resulta muy disfrutable e, incluso, cómico.

Una cuestión rescatable es el manejo mucho más realista de sus enemigos. Convirtiéndolos en traficantes de armas, en vez de Mandarines hambrientos de poder o de Hombres de Titanio.

Probablemente la película de superhéroes Marvel más disfrutable (ni modo que las del sufrido de Spider-Man), aunque, por mucho, siguen ganando las de superhéroes DC.

Cine: Offscreen

Offscreen
Dir. Christopher Boe

Nadie se esperaba algo como Offscreen viniendo de Christopher Boe, famoso por Allegro y Reconstruction, dos películas que, si bien abordan el tema de la psique humana y las relaciones interpersonales, no lo hacen de una manera tan audaz y divertida como lo hace esta cinta.

Offscreen es un mockumentary sobre el amor y el desamor. El actor Nicolas Bro es excepcional en el papel de... bueno, Nicolas Bro, mientras intenta descubrir (y demostrar) el significado del amor a través del cine, filmando su propia vida.

No hablaremos mucho de la trama para no echar a perder las sorpresas. Pero podemos mencionar dos cuestiones interesantes de la cinta. La primera es la sorprendente facilidad con la que el personaje principal se gana la simpatía del público y la segunda es que tiene un final (que a la vez es el principio) que los va a dejar boquiabiertos (más de un intelectual que decía "Je je je, estoy viendo una película de Christopher Boe y soy muy interesante" salió de la sala comentando que no le había gustado la película, lo cual es buena señal).

Recomendada.

Clásicos del cine de culto: Mulholland Drive

Los puristas dirán que, para considerar una cinta como un clásico, tiene que pasar cierto periodo de tiempo. Normalmente, ninguna película estrenada durante la presente década es considerada un clásico, pero nosotros ya hemos hecho excepciones ante esta inútil regla.

Y es que hay películas que están destinadas a ser de culto desde su estreno, lo cual también debería implicar que habrá cintas que sean clásicos instantáneos.

David Lynch es un cineasta norteamericano capaz de crear cintas que guardan las dos características arriba mencionadas. Se trata de un artista difícil, críptico incluso. Sus cintas guardan siempre una especie de atmósfera densa e impenetrable en la que habita el misterio en sí.

Se trata siempre de cintas que retan al espectador y que lo someten a sensaciones y sentimientos diversos. Eso, en la mayoría de los casos, confunde al espectador y lo lleva a preguntarse si lo que está viendo tiene o no algún sentido.

Toda la filmografía de Lynch es recomendable, pero ninguna representa mejor su estilo como Mulholland Drive. En ella, el director nos sitúa en la ciudad de Los Angeles, con todo su glamour y el sol dorado de California, siempre en contraste con la oscuridad y el misterio que envuelve a todos los personajes de la cinta.

Hay dos elementos principales que se abordan en la cinta. Uno es el oscuro mundo de Hollywood, que, a distancia, nos hacen creer que es todo glamour y simpatía, pero que, en el fondo, oculta intereses más bien... siniestros.

El otro elemento es el que me parece el más interesante: la femeneidad. El lado femenino de la consciencia humana (que, obviamente, habita en todos nosotros). El amor, el desamor y la soledad en todos sus niveles distintos.

David Lynch utiliza lo que en un cómic describían como "ensaladera de mundos", es decir, una mezcla de realidades distintas que no siempre son lo que parecen y que no necesariamente son reales... Al final, el misterio debe ser develado por cada uno de los espectadores a su manera, con los elementos que pudo recuperar de la experiencia multisensorial.

Destaca la actuación de Naomi Watts que, si bien al principio parece una actuación más bien forzada, conforme la cinta avanza adquiere matices mucho muy distintos y se convierte en su mejor actuación (en mi opinión) a la fecha...

Clásicos del cine de culto: Ghost in the Shell

Ghost in the Shell
Dir: Mamoru Oshii
Manga Entertainment, 1995

No solo una cinta de culto, sino todo un parteaguas en lo que a trama y efectos especiales se refiere.

Basada en el manga del mismo título, Ghost in the Shell nos presenta un futuro en el que la información se ha convertido en poder y, como lo es hoy el dinero, se vuelve peligroso aquél que tiene acceso a demasiado de ello.

La trama nos presenta un thriller policiaco en el que los mejores hombres de la sección 6 (¿o era la 9?) deben descubrir y encarcelar al Pupet Master, quien es capaz de controlar los pensamientos y recuerdos de las personas "hackeando" (no me gusta la palabra) sus "ghosts" (almas, supongo), con lo que los lleva a cometer actos para él.

La trama se complica cuando se descubre que el Pupet Master no es quien liberó el virus, sino el virus mismo que se ha dado cuenta de su propia existencia...

No hace falta hablar de las relaciones que ésto guarda con la realidad en la que vivimos. Lo mismo han notado diversos cineastas que se han inspirado en esta historia para contar la propia (como en el caso de los hermanos Wachowski y su Matrix).

Muy recomendable y, sin duda, uno de los mejores ejemplos de lo que la animación japonesa puede ofrecer.

Cine: Manderlay

Manderlay
Dir: Lars Von Trier

Manderlay es la continuación de Dogville, una película poco comercial protagonizada por Nicole Kidman. Ambas películas pertenecen a una trilogía que habla acerca de la cultura norteamericana, escrita y dirigida por el señor Lars Von Trier (director también de Dancer in the Dark).

En Manderlay, los roles principales quedan en manos de Bryce Dallas Howard (reemplazando a Nicole Kidman en el papel de Grace), Willem Dafoe, Isaach de Bankolé y Danny Glover. La ambientación nos sitúa de nuevo en los años 30. De nuevo, la escenografía se basa en meros dibujos en el piso. El ambiente teatral de la película es menos marcado que en la anterior, pero no menos efectivo.

Dogville manejaba la idea de que nadie era completamente bueno, que uno siempre hace el bien esperando recibir algo a cambio y que, no importando el costo, cuando uno siente que tiene derecho a algo, hace lo que sea por conseguirlo.

Manderlay maneja una temática inversa. Aquí la idea principal (al menos la que queda al final de la película) es que no hay nadie completamente malo. También se maneja el miedo a la libertad que sentimos todos alguna vez, el miedo al cambio, a lo nuevo y diferente. El racismo parece motivar a la cinta, pero conforme avanza, nos damos cuenta de que no es así. Al final, ésta película no hace distinciones entre las razas y es por ello que mucha gente se ha sentido ofendida con ella (todos esperan que al final los negros sean los ganones o que los blancos recuperen el control).

A diferencia de Dogville, que le daba vueltas al asunto sin llegar al punto principal, Manderlay hace que la trama vaya creciendo, multiplicando opciones y referencias. Al final todo encaja en un mismo sitio, al final todo llega al punto culminante en el que (como toda buena cinta) comenzó.

Manderlay también nos ofrece a una Grace mucho más decidida y enérgica, en lugar de la Grace victimizada de Dogville. El cambio en el casting ha sido muy criticado, pero creo yo que ayuda a reforzar el concepto teatral de las cintas. Además, Bryce Dallas Howard está a la altura de cualquier actriz y queda perfecta en éste papel lleno de contradicciones y paradojas.

Cine: The Departed

The Departed
Dir: Martin Scorsese

La gente miente. Miente todo el tiempo. La mayoría de las veces lo hacemos para protegernos a nosotros mismos y, de hecho, decir que mentimos para proteger a los demás es una babosada.

Mentir es tan común que de pronto se vuelve un modo de vida. De pronto la gente se encuentra a sí misma mintiendo sin siquiera darse cuenta. Suena difícil de creer, pero solo basta con que lo mediten un rato y verán que es cierto.

Mentir no es lo difícil, lo difícil es mantener, alimentar a la mentira, hacerla lo más creíble y "verdadera" que se pueda.

En The Departed, se nos ofrece una visión acerca de dos tipos de personas: uno que miente para llegar a lo más alto dentro de la jerarquía policial de Boston y otro que miente para atrapar al mayor criminal de la ciudad.

Martin Scorsese (aquél genio mítico) dirige magistralmente éste remake. Los roles principales corren a cargo de Jack Nicholson, Leonardo DiCaprio y Matt Damon. Damon interpreta al policía corrupto que, mediante mentiras, llega a convertirse en el hombre a cargo de las operaciones para atrapar al criminal para el cual trabaja, interpretado por el gran Jack Nicholson (que por cierto, no deja de recordarme al Guasón).

Por otro lado, DiCaprio interpreta a un policía encubierto que debe proteger su mentira para no ser asesinado por los maleantes de los cuales se ve rodeado. DiCaprio ofrece una espectacular actuación que, la neta, me dejó con la boca abierta. Quizás se deba a que la mayor carga dramática de la historia recae en él, pero yo sentí como que se robó el espectáculo.

Es muy interesante ver el desarrollo de éstas dos personas, convirtiéndolos en completos antagonistas sin siquiera haber cruzado miradas. Es curioso ver como cada uno decide mantener ésa red de mentiras sobre la que se basa su modo de vida (uno viviendo en un departamento de lujo y el otro matando y golpeando para la mafia).

Scorsese es ya un veterano en ésto. Uno va a la segura con sus películas. Además, se puede dar el lujo de contar con un elenco multiestelar: Alec Baldwin, Martin Sheen y Mark Wahlbergh realizando actuaciones geniales.

En fin, no lo piensen más, vayan y véanla.

Clásicos del cine de culto: Bad Lieutenant

Bad Lieutenant
Dir: Abel Ferrara
Artisan Pictures, 1992

Ésta cinta del director Abel Ferrara nos muestra una faceta de la Ciudad de Nueva York que nadie más nos podría mostrar. Un retrato vívido, sangriento, despiadado de una de las ciudades más conflictivas del planeta.

Gracias a ésta película podemos ver a Harvey Keitel (uno de mis actores favoritos) en un papel impresionante, destructivo y cautivador.

Harvey Keitel interpreta a un Teniente de la policía que está hundido por las deudas de juego. un adicto que saca dinero de donde puede, protege a los distribuidores a cambio de droga y atropella los derechos de quien se le antoje.

Jamás había visto un retrato tan cruel y sincero de lo que la policía representa. De cómo aquellos que, se supone, deberían cuidar de nosotros, son los que más nos chingan.

No les voy a contar el final, solo sepan que van a odiar al Teniente prácticamente durante toda la película por lo que hace, pero por alguna razón se van a sentir identificados con él.

Al final, ésta película me dejó solo con una pregunta: ¿les pasarán ésta cinta a los judiciales mexicanos como cinta de entrenamiento? Porque el resultado es increíble...

No se pierdan ésta cinta que les enseñará algunas facetas del comportamiento humano que no ven en todos lados, como sólo el gran Abel Ferrara (el rey de Nueva York) lo puede hacer. Un muy impresionante clásico del cine de culto.

Clásicos del cine de culto: Bowling for Columbine

Bowling for Columbine
Dir: Michael Moore
Dog Eat Dog, 2002

Lamento no tener una sección en éste blog destinada específicamente a los documentales. Éste es el segundo documental que trato de venderles como clásico del cine de culto, sin embargo, éste es realmente un clásico y rápidamente se convirtió en objeto de culto alrededor del mundo.

Verán, éste documental (para aquellos que no lo sepan) marcó un momento muy importante en la historia del cine, pues fue el primer documental en ganar la Palma de Oro en Cannes y el que más tiempo se mantuvo en cines.

Michael Moore ganó el Oscar por Bowling for Columbine y, en su discurso de aceptación, reprobó a la administración "ficticia" de Bush y su política de guerra. Éso convirtió a la entrega de los Oscars en un pandemonio en el que unos abuchearon a Moore por no apoyar a su país y otros le aplaudieron el que no se quedara callado ante la situación.

El documental habla acerca de la violencia en Estados Unidos, pero es imposible encontrar algo de ésa violencia en cualquier parte del mundo. (Creo yo que la violencia es el mayor producto de exportación de los Estados Unidos). La parte medular del documental se basa en los asesinatos cometidos por dos estudiantes de una secundaria en Columbine, Michigan; siempre tratando de responder la pregunta: "Are we a country of gun nuts or are we just nuts?".

A través de hechos, entrevistas y mucho buen humor, Michael Moore nos enseña a ver cosas que no son tan fáciles de distinguir a simple vista. Cosas que parecieran coincidencias, locuras o simples figuraciones, pero que tienen un trasfondo mucho más importante del que nos gustaría creer.

En fin, vale la pena ver el documental solo para ver las entrevistas que Moore hace a Matt Stone (co-creador de South Park), Charlton Heston (leyenda del cine gringo y presidente de la Asociación Nacional del Rifle) y, por supuesto a Marilyn Manson (siendo ésta última uno de los mejores momentos en la carrera del Reverendo). A pesar de que los documentales tienen mala fama de ser aburridos e innecesarios, éste los dejará con la boca abierta, con un buen número de carcajadas y, muy probablemente, con un hueco en el estómago que, después de todo, merece estar ahí.

No tengas miedo a las ideas revolucionarias y transgresoras, no sientas temor ante la crítica (supuestamente) antipatriótica, aprende de Michael Moore y de su ingenio, vuélvete una persona que no se cree todo lo que le dicen en la tele (o en le radio o... en los blogs), íncale el diente a éste magnífico y educativo clásico del cine de culto.

Clásicos del cine de culto: The Fight Club

The Fight Club
Dir: David Fincher
FOX 2000 Pictures/Regency Enterprises, 1999

Más allá del peinado de Brad Pitt, más allá de la estupenda actuación de Edward Norton y más allá del estilo de dirección de David Fincher, existe la novela de Chuck Palahniuk, del mismo nombre que la película.

Así es que nos limitaremos a hablar aquí acerca de la historia. The Fight Club es, básicamente, una película antimaterialista. La premisa que todos conocen (hasta los que no han visto la pelicula ni leído el libro) es que se trata acerca de un grupo de personas que se reúnen para pelear, para ponerse unos putazos.

Ése es solo el comienzo de un proceso que lleva al personaje conocido como Jack a través de un proceso de descubrimiento, hasta que el proceso le muestra que se ha convertido en una persona radicalmente distinta (no bromeo).

Si bien el que un grupo de personas se reúna para golpearse no parece sonar muy antimaterialista, podríamos tomar en cuenta que el cuerpo humano es la mayor posesión material que tenemos todos y que, librarse de ella, es prácticamente imposible.

Creo que uno de los mensajes de la historia resume todo ésto:

"You are not your bank account, you are not the clothes you wear, you are not the contents of your wallet, you are not your grand latte, you are not the car you drive, you are not your fucking khakis. You have to realise that someday you will die, until you know that, your useless".

No puedo más que recomendarles que lean la novela o que vean la película (de preferencia lo primero, aunque es un poco más complicado, debo reconocerlo). Si bien les va, se van a poder sacudir tanta mierda que nos bombardean a diario (en periódicos, revistas, televisión, radio y, por supuesto, por internet) y podrán disfrutar de uno de los más incomprendidos e infravalorados clásicos del cine de culto.