Música: Faith No More

Faith No More
Sol Invictus
Reclamation Records / Ipecac, 2015

Bandas como Faith No More son siempre una bocanada de aire fresco, puesto que nunca se encuentran confinadas a las estructuras rígidas de ningún género musical. En cambio, estas bandas son su propio género.

El caso de Sol Invictus no es distinto. El nuevo álbum de la banda, después de un "descanso" de 12 años (sus integrantes han estado ocupados en numerosos proyectos alternos), nos muestra a una banda poderosa y que se siente sin ataduras. Sabemos que FNM siempre mantiene ese sonido épico en sus composiciones, pero en esta ocasión suena mucho más monstruoso y ominoso que antes. Basta escuchar canciones como Sol Invictus, Superhero, Separation Anxiety, Rise of the Fall o Motherfucker para sentir el poder aplastante de las guitarras de Jon Hudson y las vocales mutantes de Mike Patton, así como el poderío rítmico de Billy Gould y Mike Bordin. Algo curioso y que le otorga una presencia muy particular a las piezas es el omnipresente piano de Roddy Bottum que convierte cada canción en una obra soberbia.

Es una verdadera lástima que parece ser que su gira latinoamericana no incluirá alguna fecha en la Ciudad de México...

Sitio Oficial: www.fnm.com

Twitter: twitter.com/faithnomore

Música: Blur

Blur
The Magic Whip
Parlophone, 2015

Entre melodías pop, estructuras curiosas y sonidos que parecen provenientes de diversos lugares e influencias, Blur nos presenta su primer álbum con todos sus integrantes originales desde el 13 de 1999. Quizá esto no significaría mucho en el caso de otras bandas, pero en el caso de Blur, hace una diferencia impresionante. Uno de los aspectos más notorios a lo largo del álbum es la madurez de sus integrantes como artistas y que se refleja en una cohesión muy particular de elementos y sonidos. 

La banda, habiendo tenido un receso de 12 años desde su Think Tank, parece querer retomar el sonido de sus trabajos de los finales de los noventas en términos de continuidad musical hacia un rock más cerebral y encaminado, alejado de las estructuras pop cuadradas y formuláticas de sus inicios, pero sin volverse hacia un paraje oscuro y estéril como en algunos momentos se llegaba a escuchar en su álbum anterior. 

En The Magic Whip, Damon Albarn suena más en su sitio que nunca, probablemente producto de sus años trabajando en Gorillaz y en sus proyectos solistas. La guitarra de Graham Coxon se escucha esplendorosa en todas las piezas, un testimonio de que la banda necesitaba esa soltura y movilidad que permea sus cuerdas y que, por primera vez retoman en 16 años. 

Las canciones en sí son una colección muy interesante y nada complaciente: My Terracotta Heart es bella y emotiva, Thought I Was A Spaceman es espacial (duh), There Are Too Many Of Us es épica y contundente, con un filo oscuro muy interesante; Go Out es rock angular, cronometrado, casi maquinal, pero muy disfrutable; Ghost Ship es un rayo de sol en una tarde nublada; Pyongyang es el punto más oscuro del álbum y aún así se siente refrescante y alentadora.

Hacer canciones pop sin sonar aburridos es lo que Blur hace y da gusto saber que aún después de tanto tiempo son capaces de entregar algo a la altura.

Sitio Oficial: www.blur.co.uk

Twitter: twitter.com/blurofficial

Música: My Morning Jacket

My Morning Jacket
The Waterfall
ATO Records, 2015

Por alguna razón, My Morning Jacket siempre me hace pensar en la naturaleza. Sus trabajos no pertenecen precisamente a un sonido "campirano", aunque sí cuentan con ciertos elementos que nos llevan a pensar en prados tranquilos y bosques nocturnos iluminados por las estrellas. La mayor naturalidad de la banda viene, sin embargo, de su honestidad. En su música no se escuchan poses ni estatutos a lo "rockstar". Sus integrantes, para quienes hemos podido verlos en vivo, no tienen la facha de ser las grandes estrellas indie que el mundo parece esperar que sean. Su música no se alimenta tanto de la escena indie como lo hace, por ejemplo, del legado psicodélico, folk y progresivo de finales de los 60s e inicios de los 70s.

En The Waterfall, esta tendencia hacia el sonido casi espacial continúa, ofreciendo 10 piezas emocionantes e inspiradoras por igual. En él hay un poco del sonido de sus álbumes anteriores, por lo que esto podría tomarse como una continuación del mismo camino, mas no una repetición de lo que ya hemos escuchado antes.

Sus canciones suenan a esperanza y a movimiento, como el batir de las alas de un ave. Al mismo tiempo hay momentos tranquilos en los que el álbum planea sobre nubes blancas como en Like A River, Get The Point y la que seguro será muy menospreciada Only Memories Remain; luego llegan los momentos de volar alto, hacia el espacio en canciones como Spring (Among The Living), Tropics (Erase Traces), Big Decisions y la maravillosa In Its Infancy (The Waterfall).

Un trabajo sólido de una de las mejores bandas de rock estadounidenses de la actualidad. Muy recomendable.

Sitio oficial: www.mymorningjacket.com

Twitter: twitter.com/mymorningjacket

Música: Wire

Wire
Wire
Pink Flag, 2015

Imaginen lo siguiente leído en la voz esa que anuncia los conciertos de OCESA:

"Una banda que, con sus 40 años de carrera artística, ha superado todos los géneros".

Aburrido, es como suena.

Y aburrido es todo lo que Wire NO es.

En efecto, esta banda seminal del art-punk y del post-punk cumple 40 años de carrera y NO lo hace festejando con sus grandes éxitos. Este es un álbum homónimo de música nueva, fresca e innovadora. La banda ha, efectivamente, superado todos los géneros con los que se le identificaba y ofrece una colección de temas que se mueven sinuosamente entre el punk y el pop. Y todo con un delicado toque de humor negro en sus letras.

Mientras bandas de hace 10 o más años se dedican a tocar melancólicamente sus éxitos pasados, Wire pone sus miras en el presente y el futuro. Aprovechando el involucramiento más profundo de su nuevo guitarrista Matthew Simms, Collin Newman y compañía llevan su agrupación a la vanguardia sin perder eso que los hacía interesantes hace 40 años.

Muy recomendables todos los tracks del álbum, especialmente Split Your Ends, Blogging y Harpooned, que fueron de mis favoritas.

Sitio oficial: www.pinkflag.com

Soundcloud: soundcloud.com/wirehq

Cine: Mad Max - Fury Road

Dir: George Miller

Una de las partes más difíciles de escribir una reseña es encontrar la manera de ser objetivo en lo que escribes. Eso es especialmente importante si estás escribiendo una reseña en estos días en donde, para el momento en el que sea publicada, habrá otros millones de reseñas disponibles en montones de sitios distintos (algunas incluso de menos de 140 caracteres).

Así, me enfrento ante la imposibilidad de ser objetivo al expresar mi opinión sobre la nueva película de Mad Max. En vez de expresar datos duros para parecer que estoy siendo objetivo en este escrito, voy a hacer lo contrario:

Fury Road es una actualización de la segunda entrega de la serie, viniendo a reemplazar los sucesos de aquella Mad Max 2 de 1981. Si bien la actualización no era del todo necesaria en términos de historia y desarrollo de los personajes, sí era muy necesaria y está muy bien agradecida por la mayor parte de la audiencia en términos de acción y efectos especiales.

No se confundan, Fury Road es una película de acción, quizá la más grande que he visto hasta el momento. Este comentario no es gratuito y, de nuevo, debo entrar aún más en terrenos subjetivos para probar mi punto.

Mi papá era fan de las películas de acción y mis hermanos y yo, creciendo en un hogar sin televisión por cable, nos desvivíamos viendo las películas que pasaban en canal 5 (de la Ciudad de México). Crecí entre Duro de Matar, Terminator, Mad Max y un larguísimo etcétera. Ellos fueron mis primeros héroes antes de que me empezara a convertir en un entusiasta de los cómics.

Todos sabemos que las películas de Duro de Matar y Terminator han tenido que claudicar ante la censura y lo pusilánime con tal de ganar mejores lugares en taquilla (también sabemos que eso les ha servido de poco). Lo primero que viene a la mente con la mención de un remake o de una nueva entrega de una cinta clásica de acción es la frase "seguro va a estar del asco".

Curiosamente, con Mad Max pasa lo contrario. George Miller no solo es capaz de entregar una historia y una cinta a la altura de sus clásicos, sino que las actualiza a los tiempos modernos, dándonos una obra maestra del género.

Esta no es una cinta que haga concesiones, no se trata de una cinta fácil (en el sentido de que es difícil abrir lo suficiente los ojos y los oídos para captar todo lo que sucede) ni difícil (en el sentido de que es fácil seguir la historia que está pasando en la pantalla y relacionarse con los personajes y sus situaciones). Dan ganas de gritar al verla, dan ganas de reír. A momentos dan ganas de abrazar a alguien y luego dan ganas de ponerle unos putazos. Así son las películas de acción. Es por lo que nos subimos a las montañas rusas en primer lugar.

En verdad, ¡qué día tan hermoso!

Trailer:

Música: URSS bajo el árbol

URSS bajo el árbol

7

Intolerancia, 2013

El rock es un género musical difícil de digerir. Más aún lo son algunos de sus subgéneros como el rock psicodélico, el progresivo y el espacial. Muchas interpretaciones se pueden obtener de la música que pertenece o de alguna manera se aproxima a estos géneros debido, principalmente, a la cantidad de capas que existen dentro de la música en sí.

El álbum 7 de URSS bajo el árbol contiene música que se podría clasificar de la manera arriba mencionada, combinada con elementos de rock alternativo y un toque de jazz. Podemos aproximarnos a la música desde diversos puntos de vista. A manera superficial, podemos hablar del uso prominente y puntual del saxofón y de una cadencia muy particular que se percibe en cada una de sus canciones. Un  poco más profundo, hablamos acerca de las influencias que se les escucha que va desde Pink Floyd, Tangerine Dream y Can en la estructuración de las piezas (en especial las más intrincadas como Cronos y Los hilos de Dios) hasta Radiohead y Caifanes en la temática y atmósfera de las mismas (como es el caso de Las aves sin alas y 7).

También podemos hablar acerca del momento sociocultural en el que aparece esta obra y que explica bastante bien la sensación de desazón e intranquilidad que viene con las letras, producto probablemente de la atmósfera que se respira entre la juventud de la Ciudad de México en los últimos tiempos. Y aún un poco más allá, podemos encontrar el elemento crucial del asunto: las personas que hacen la música.

El ver en vivo a la banda y poder escuchar lo que tienen que decir respecto a su música no solo cambia por completo la interpretación que se le da a la misma a varios niveles, sino que incluso genera un contraste profundo entre la sencillez de su presentación y de su discurso y la complejidad de la música y de sus letras. Este contraste es, en mi opinión, el aspecto más cautivador de la banda.

Si te gusta la música con elementos intrincados, cambios de ritmo, atmósferas oscuras y un enfoque a que tu mente vislumbre paisajes sonoros y psicológicos a veces incomprensibles, este disco está recomendado para ti.

SoundCloud: soundcloud.com/urssbajoelarbol‎
Twitter: twitter.com/URSSbajoelarbol‎
Facebook: es-es.facebook.com/urssbajoelarbolmx

URSS bajo el árbol / 15-06-2013 / Casa Del Lago, Ciudad de México

Podemos hacer las comparaciones que se nos ocurran, encasillar a una banda con la etiqueta que se nos antoje y hacer mención de innumerables influencias, pero al final, durante un concierto, es la música la que hace o no el trabajo. Los medios te pueden inflar tanto como quieran la idea de la calidad de un artista o banda con tal de vendértelos, pero al final son tus oídos, tu cerebro y tu sistema nervioso los que funcionan como filtro final. No existe expectativa o promoción que pueda superar el hecho de que una banda no te guste, no te prenda.

Es entonces que aparecen bandas que, desde un momento muy temprano en su carrera, logran conectar con el público no a través de promoción o expectativa, sino a través de su música. Tal es el caso de URSS bajo el árbol, banda joven de la Ciudad de México que recién estrenan su primer larga duración y que lo presentaron en un escenario sublime por sí mismo, la Casa del Lago del bosque de Chapultepec.

Tengo la intención de reseñar su disco en este mismo medio, así que no entraré en detalles respecto de las canciones que lo componen. Mejor me permito relatarles un poco de mi experiencia como parte de su audiencia:

Parte del encanto que tiene la banda es la química de los elementos que la componen. Cada uno de los miembros de la banda tienen su momento protagónico en la música, cada uno tiene su parte crítica en la fórmula, juntos crean ese mosaico de texturas que componen cada una de sus canciones.

Otra enorme cualidad y una que se agradece tremendamente, es la sencillez que presentan cada uno de ellos. Contrasta fuertemente contra lo intrincado de su música y sus letras. Después de verlos en vivo, te das cuenta de que, a pesar de que toman muy en serio su música, su arte, y entregan una interpretación contundente de cada uno de sus temas, en realidad se divierten y disfrutan el crear esos escenarios, esos paisajes auditivos que uno podría percibir como desoladores si fueran interpretados fuera de contexto.

La conjunción de su interpretación y su actitud ante lo que hacen logran darle un giro absoluto a sus letras y al mensaje de su música. No se trata de revelar parajes desolados de tu propia alma, sino de encontrar en medio de esos paisajes psicológicos la materia de lo que está hecha la voluntad del ser humano.

Pero más de eso, más tarde...

Música: Melvins

Melvins

Everybody Loves Sausages

Ipecac, 2013

Los Melvins son una institución en el rock alternativo estadounidense. Su influencia se puede escuchar en bandas desde Nirvana y Soundgarden hasta Tool, Boris y Mastodon. El rango de géneros que sus álbumes contienen van desde el stoner rock hasta el doom metal, pasando por el sludge rock (rock viscoso con tintes metaleros con el que se les identifica principalmente) y el hardcore punk.

Lo que tratamos de decir con lo anterior es que escuchar un disco de los Melvins es, en sí, un recorrido por un montón de sonidos y estilos que componen gran parte del paisaje sónico del rock actual. Este recorrido es doble, cuando la misma banda hace un recorrido por la historia del rock y sus influencias.

Así, Everybody Loves Sausages rinde tributo a bandas y artistas influencias de la banda, mediante reinterpretaciones arriesgadas en su más puro estilo desmadroso y experimental. Vemos desfilar canciones de Venom, David Bowie, The Fugs, The Jam, The Kinks, Queen, etc. reintepretadas por la banda con la ayuda de invitados especiales como Trevor Dunn de Tomahawk, Mark Arm de Mudhoney, Clem Burke de Blondie y Jello Biafra de los Dead Kennedys.

El disco es un trabajo sólido y todas las canciones tienen un valor por sí mismas. Aún así, algunas de las mejores son la pesadota Warhead (original de Venom), Female Trouble con su sonido decadente (original de Divine), Attitude (de los Kinks) y Station to Station (de David Bowie, que si no fuera interpretado por los Melvins, pensaría que es una broma).

Acá dejamos una de las mejores rolitas del disco:

Melvins - Everybody Loves Sausages

Música: Queens of the Stone Age

Queens of the Stone Age
...Like Clockwork
Matador, 2013

El sexto álbum de estudio de una banda que se ha convertido a su vocalista Josh Homme en el principal embajador del stoner rock para el resto del mundo, encuentra al conjunto en un momento de mayor inspiración a comparación de su anterior trabajo. ...Like Clockwork es, como su nombre sugiere, una pieza de relojería en el sentido de que tiene exactamente lo que debe y todo está muy precisamente colocado en su sitio. Los riffs pesados intercambian frases con los pasajes tranquilos. La melodía es aplastada por el rítmo, solo para después volver a quemar su camino de vuelta a tus oídos.

Las canciones que conforman este álbum siguen una temática que es combinación de una visión casi narcisista del mundo y el relato de un corazón roto, una combinación que Homme sabe hacer casi de memoria. Así, tenemos canciones como "If I Had A Tail" o "I Sat By The Ocean" que siguen un rítmo preciso y constante para relatar una historia enigmática pero, a la vez, fácil de sentirse relacionado con ella. Otras como "The Vampyre Of Time And Memory" y "Kalopsia" juegan a llevar al escucha de una tranquilidad casi etérea a una agitación emocional inmediata; el resultado, en especial en el caso de la segunda, es sorprendente.

Una parte importante que acompaña la música son los diseños del artista inglés Boneface, tanto para la tapa y los interiores del álbum como para los primeros cinco "sencillos" del álbum. Este último proyecto es, en realidad, la utilización de porciones de cuatro piezas del álbum que sirven como fondo al relato del preludio de una historia. El verdadero sencillo, "My God Is The Sun", es en parte el final de ese relato y un nuevo inicio que forma un ciclo.

Para mostrar de qué hablamos, dejamos el video completo del "sencillo", incluyendo su preludio.

Queens of the stone age - ...Like Clockwork

Los Tres / 29-11-2012 / Foro FIL, Guadalajara, JAL

Es curioso pensar en influencias cuando se trata de música.

 

Las artes en general pueden definirse y clasificarse de acuerdo a estilos, influencias y escuelas. La música no está exenta de esta particularidad. Es fácil identificar una canción en términos de género o de estilo... pero no tan sencillo es hablar de la influencia.

 

Los Tres es una banda chilena formada a finales de la década de los 80s (su escuela, por decirlo así) que combina rock, jazz y música folclórica de su país (su estilo). Es en sus influencias (y en su influencia, que veremos un poco más adelante) donde aparece la parte más interesante de esta banda.

 

Se puede escuchar una influencia enorme del rockabilly en la música de la banda y en el estilo de Ángel Parra al tocar la guitarra; el bajo de Roberto Lindl tiene una marcada influencia de jazz en su ejecución, mientras que Álvaro Henríquez le debe mucho el estilo de su voz a la cuenca (música folclórica chilena) y a la balada romántica.

 

Pero es cuando observas a una banda en vivo cuando te llegan a la mente las repercusiones o la influencia que tiene su música en otras bandas. En el caso de Los Tres, no cabe duda que ayudaron a forjar gran parte de lo que hoy en día se conoce como "Rock en tu idioma" y que bandas como Café Tacvba le deben mucho a esa combinación estilística tan particular.

 

En el escenario, como parte de la Feria Internacional del Libro y con su país como invitado de honor, Los Tres formaron una paradoja temporal por medio de sus invitados especiales: María Esther Zamora y Pepe Fuentes fueron los encargados de ayudar a la banda a regresar en el tiempo a lo que a ellos los influenció, mientras el público disfrutó con agrado del carisma de estos dos personajes de la música folclórica chilena. Más tarde, fueron los integrantes de Café Tacvba quienes llevaron al público al presente, al mundo después de Los Tres, donde la canción más emblemática de los segundos ahora le pertenece a los primeros.

 

Clásicos y no tan clásicos fueron interpretados. Covers emocionantes y hasta de risa (como el que le hicieron a los Tigres del Norte). Todo para crear un espectáculo redondo, una presentación perfecta y una demostración de cómo una banda es capaz de dejar a un lado la pose y convertirse más en un transporte de esa influencia, de esa cultura.

Libro: Manifiestos del surrealismo

Manifiestos del surrealismo
André Breton
Terramar

El Surrealismo, como el mismo Breton lo define en su primer Manifiesto, es un "automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral."

 

Mediante la definición de una de las corrientes artísticas más importantes del siglo pasado, Breton nos lleva de la mano a través de un paseo por los primeros 20 años de vida de dicho movimiento. Entre determinaciones, intervenciones, deserciones y halagos, también nos es posible entrever las luchas internas que exponen de manera viva las controversias artísticas e ideológicas de la primera mitad del siglo XX.

 

El Surrealismo, para los Surrealistas, no solamente se trataba de un mero mecanismo de creación, sino de un mecanismo de pensamiento y, por tanto, una manera de vivir determinada. Este libro recoge lo que uno de sus miembros fundadores considera las pautas por las que ese mecanismo de pensamiento debe regirse y la manera en la que debe influir y relacionarse con la sociedad y la política.

 

Distintas lecturas se pueden extraer de esta obra, desde el aleccionador (y muchas veces reprobatorio) discurso del poeta decepcionado por la traición de quienes consideraba sus aliados, hasta la crónica histórica del movimento artístico e ideológico  contado por uno de sus más importantes protagonistas.

 

La obra, además, nos permite adentrarnos un poco más en la mente de algunos de los grandes maestros surrealistas como Leonora Carrington, Marx Ernst, Miró, Louis Aragon, Paul Eluard y Salvador Dalí. A mi parecer, una obra muy importante para cualquier persona que se considere inspirada o tocada por la obra surrealista en general, ya sea en el terreno de la poesía o en el de la obra plástica.

 

Libro: Diary (a novel)

Diary: A Novel
Chuck Palahniuk
Doubleday

 

A mayoría de las personas les gusta la predeterminación. Les gusta la rutina, les gusta saber exactamente qué estarán haciendo a esta misma hora, el mismo día de la siguiente semana. A muchas personas les gustaría que su vida entera estuviera predestinada, aún más si ese destino es para la realización de algo grande.

 

¿Pero qué pasa si eso sucede en realidad? ¿Qué pasa si toda tu vida estuviera predestinada a repetir la vida de alguien más, por más grande o exitosa que hubiese sido? ¿Qué pasa si uno tuviera que sufrir para cumplir ese destino y qué pasa si no se puede hacer nada para evitarlo?

 

Esta novela, repleta con humor negro y con comentarios ácidos, nos relata un episodio en la vida de una pintora que se encuentra de pronto en una situación en la que pareciera que todo lo que hace está previamente escrito en algún lugar, todo lo que le sucede parece ser una dramatización de lo que le sucedió a alguien más. En medio de sus quejas sobre su vida social y económica, conocemos un poco del pasado de la protagonista, su relación con el arte y la relación de su arte con la enigmática historia de ciclos, familias, éxitos y desgracias que se desarrolla ante ella aún sin notarlo.

 

Sin duda una lectura apasionante, especialmente recomendada a todos aquellos que tienen alma de artista. Lo consiguen en Ghandi en su idioma original (como se disfruta mejor, en mi opinión).

Festival Maquinaria / 2-11-2012 / Arena Ciudad de México // 3-11-2012 / Explanada López Mateos, Guadalajara, Jal.

Los festivales son siempre una cuestión agridulce. Por un lado, tienes la oportunidad de ver muchas propuestas en un mismo sitio, o disfrutar de grandes artistas compartiendo un mismo escenario. Esto, sin embargo, implica que cada artista que se presenta tiene un tiempo limitado para hacerlo. Si esto es una decisión corporativa referente a la logística o un capricho del artista, no me corresponde decidirlo, pero el hecho es que es una experiencia muy distinta disfrutar de un artista en su show que en medio de un festival.

 

Dentro de esta experiencia agridulce en particular, existieron momentos muy interesantes y otros un tanto decepcionantes, como siempre. Hablemos, pues, de las presentaciones:

 

El día 2 de noviembre, el festival comenzó en la Arena Ciudad de México (un excelente centro de espectáculos, por cierto, aunque algo caro) con una banda chihuahuense llamada Apolo que combina elementos de tantas fuentes distintas que es difícil encontrar un punto por donde entrarles. Como muchas bandas, su problema es su vocalista. Stone Sour sorprendió a más de uno al dar testimonio de su increíble desempeño en vivo y de la manera auténtica y sincera en que su vocalista Corey Taylor conecta con el público. Deftones es un bandononón y, por lo mismo, decepciona un poco que no sean capaces de generar un setlist más amigable con el público; se entiende que quizás esa no es la intención, pero en ese sentido, su show se siente un poco difuso. Marilyn Manson terminó la noche con un setlist que incluye varios de sus grandes éxitos, 3 canciones nuevas y un par de sorpresas que prenden bastante a los que sabemos qué onda con su música.

 

El día 3 de noviembre, el festival comienza en la Explanada López Mateos en Guadalajara, Jalisco (otro excelente sitio para un festival, mucho más barato, más accesible y con gran acústica). El público en ese sitio, sin embargo, nunca pareció tener conexión con ninguna de las bandas que se presentaron. Parecía un poco como si solamente hubieran asistido por asistir. Solo con las canciones más conocidas de cada banda la gente se prendía un poco.

 

Ahí, se pudo disfrutar de Cavalera Conspiracy, quienes también sorprendieron con su desempeño sobre el escenario; son unos verdaderos monstruos, cada uno en su instrumento. Después tocó el turno de Mastodon que decepcionaron un poco con su interpretación, como carente de sentimiento. Luego vino nuevamente el turno de Marilyn Manson, quienes repitieron el setlist de la noche anterior; ante la apatía del público, el Reverendo terminó lanzando un "Fuck you Mexico" a los ahí presentes. Pero si de joder a México se trataba, luego se presentó Slayer, quienes literalmente se cogieron por los oídos a todos los presentes con sus guitarras machacantes y sus tambores relampagueantes... No por nada son Fucking Slayer.

 

Sin duda, un par de noches muy emocionantes...

Corona Capital / 13 y 14-10-2012 / Curva 4 Autódromo Hnos. Rodríguez, Ciudad de México

Dicen que este festival se está convirtiendo en un digno contendiente de los grandes festivales internacionales... Yo no sé realmente qué signifique eso, si se trata de un comentario en cuanto a las bandas que atienden, a la organización, a la gente que asiste o a algún elemento externo.

 

Del tipo de personas que asisten a ese tipo de festivales ya hemos hablado en otras ocasiones. La banda hipster se mueve en manadas y muchas veces actúan como descerebrados... Aún así, sería injusto clasificar a todas las personas que asisten a un evento de esa magnitud dentro de una sola categoría. Es fácil darse cuenta de lo incorrecto que sería eso al girar la cabeza un poco durante varias de las presentaciones.

 

De la organización e instalaciones, hablemos poco: el sonido es, cuando menos, deficiente; el enfoque obvio hacia la publicidad para la cervecera que paga el evento es abrumadora y, francamente, molesta. Si quieren que el festival crezca, hagan que crezca la accesibilidad a la música, que, se supone, es lo más importante en estos casos...

 

Y... obviamente, llegamos a la parte medular: las bandas. En ese aspecto, el cartel efectivamente se ha no solamente duplicado (de ahí la necesidad de extender el evento a dos días), sino diversificado. Bandas dispares en distintos escenarios e, incluso, en el mismo. Sonidos que se complementan y, a la vez, se armonizan de maneras interesantes. Es muy interesante ver las cosas en perspectiva y pensar que durante un mismo día tuviste oportunidad de ver a Hello Seahorse, The Kills, Cat Power, Iron and Wine y The Walkmen.

 

Momentos impresionantes que me haya tocado ver fueron varios: la impresionante respuesta que obtuvo Cat Power; el show de The Kills, muy distinto a lo que nos ofrecieron en su presentación anterior; The Raveonettes y su excelente utilización de la distorsión y el ruido (no niegan su Sonic Youth-ez); y, por supuesto, la magistral presentación de My Morning Jacket que sorprendieron por igual a quienes los conocían y a quienes no.

 

Neon Indian sufrió por el sonido en el escenario, New Order sin Peter Hook es una banda muy distinta, los Hello Seahorse actuaron un poco forzados, el vocalista de Zoé se presentó (lo cual en sí mismo es malo), Suede sonaban un poco fuera de rítmo (aunque yo culparía de nuevo al sonido del lugar) y Tegan and Sara son aún más fresas en vivo que en estudio...

 

Como siempre, un par de noches con sorpresas y desilusiones. Aún así, la verdad es que me la pasé increíble.

 

 

 



Cine: The Dark Knight Rises

 

Dir. Christopher Nolan

 

Yo creo que ya no le arruino el show a nadie, pero si alguien aún no ha visto la cinta y le interesa sorprenderse por la misma, aquí vienen los spoilers, deje de leer en este momento.

 

La última entrega de la trilogía de Christopher Nolan inspirada en Batman deja muchas preguntas sin responder... y no, no se tratan de preguntas respecto a la trama, sino que la principal pregunta es: ¿Qué demonios pasó?

 

The Dark Knight, la secuela anterior, se sintió como una película enorme, incluso más grande que la primera parte. Escena tras escena, Nolan nos mostraba una historia cautivante de lucha entre el bien y el mal a distintos niveles. Sin duda es una película que rompe por completo con la idea de que todas las segundas partes son malas.

 

Pero The Dark Knight Rises vino a convertirse en esa temida mala segunda parte. No funciona ni como secuela de Batman Begins, con la que guarda más relación, por cierto...

 

En vez de hacer uso de las miles de historias que podría haber explotado a través de las premisas que él mismo se puso en sus películas, Nolan decidió (o le impusieron, no estoy seguro) seguir la fórmula preestablecida de las cintas de superhéroes: en la tercer película hay que meter a 3 villanos.

 

Bane es un personaje interesante en los comics, pero nunca al nivel de un personaje como Joker. Catwoman es un personaje que ha pasado por una serie de transformaciones también interesantísimas, pero jamás podrían ser comprimidas en 3 horas de películas (por mejor trabajo que haya hecho Anne Hathaway). Y Talia Al Ghul funciona excelentemente como adversaria principal, si tan solo no la hubieran usado solamente en los últimos 20 minutos de cinta...

 

Y también está el final, un final feliz metido con calzador en medio de una trilogía oscura. Es ridículo que un total de casi 9 horas (más bien 6, tomando en cuenta solo las dos primeras cintas) de giros oscuros e historias nada complacientes, culmine en un final al estilo "vivieron felices para siempre"...

 

Las mismas premisas de Nolan se ponen en contra de la narración del final de su historia. El mismo Bruce Wayne que no acababa de entender lo que era un sonar o que en ningún momento se vio modificando sus propios artículos (para eso tenía a Morgan Freeman), de pronto es capaz de realizar modificaciones sobre equipo ultramoderno... y además, seguramente, en su tiempo libre entre persecuciones, peleas, pleitos económicos, recuperación de una fractura de espina y escape de una prisión en medio oriente.

 

Como bien lo comentaban en Cracked.com, te das cuenta de qué nivel tiene la historia cuando deciden hacer más interesante la película usando la única debilidad de Batman: la pobreza.

Battles / 14-12-2011 / Vive Cuervo Salon



Fotografía: Revista Pitch

Dave Knopka e Ian Williams son un equipo creativo impresionante y las paredes de sonido que crean (auxiliados por sampleos, teclados, guitarras y bajos) llenaron por completo el ambiente del Vive Cuervo Salon, cambiando por completo la actitud de un público que al principio se mostraba más bien apático ante la presentación del trio y ganándose la total atención de cada uno de los presentes. Aún así, es John Steiner y su poderosísima y omnipresente batería la que convierte el sonido de la banda en una bestia redonda, voluminosa y apabullante.

Cada pieza es una interpretación de su versión correspondiente de estudio, pero también es una improvisación por parte de los tres músicos que deja muy claro el nivel de talento que poseen. La mayor parte del setlist está conformado por piezas de su último álbum Gloss Drop, aunque (a diferencia de su pasada presentación en Guadalajara hace apenas 7 meses) también se dejan escuchar un par de temas de su primer álbum.

Las piezas clave de su repertorio son Futura (con su hipnótico y progresivo rítmo) y la magistral My Machines (donde piden prestada la voz del gran Gary Numan). Atlas, la pieza más famosa de su disco anterior, fue también excelentemente recibida por el público y, al menos en mi opinión, suena mejor interpretada como trío que como cuarteto.

Se ve que los tres músicos también disfrutaron bastante la velada y terminaron agradeciendo la atención que el público prestaba, alegando que en otros escenarios la gente prefiere beber cerveza o platicar mientras ellos se despellejan las manos creando piezas intrincadas que probablemente no cualquiera disfrute escuchando.

Videojuego: Ultimate Marvel vs. Capcom 3

Ultimate Marvel vs. Capcom 3
Capcom, 2011

Ya hablamos aquí de la versión original de este videojuego, pero no puedo dejar pasar la oportunidad de reseñar esta versión mejorada. El modo de juego es lo común en un videojuego de peleas: controlas a un equipo de personajes, batallas contra una serie de equipos de personajes contrincantes y finalmente te enfrentas a un jefe final (de gran tamaño, claro).

A diferencia de la versión original, esta versión se siente mucho mejor pensada y ejecutada. Muchos de los problemas que tenía la original fueron removidos, en particular aquellos que tienen que ver con el modo de juego en línea. Adicionalmente, se añadieron mejoras en el desempeño de los personajes, nuevos ataques, nuevos escenarios y, lo que considero más importante, nuevos personajes.

Son estos nuevos personajes los que hacen que el juego se sienta como algo nuevo y mucho más divertido: Hawkeye brinda nuevas posibilidades para aquellos que, como yo, disfrutamos de las peleas a distancia mediante el uso de proyectiles; Firebrand es un demonio que le da un nuevo "aire" a las peleas y movimientos aéreos; Ghost Rider es otro experto en la lucha a distancia, aunque su enfoque es más encaminado hacia el uso de sus cadenas como armas; Strider Hiryu y Dr. Strange son personajes altamente técnicos y poderosos, cada uno a su propia manera; Nemesis es un mounstro que golpea fuertemente y, en algunos casos, resulta imparable; Nova y Iron Fist son personajes fuertes con muchas posibilidades para combos y Rocket Raccoon es un experto en el uso de armas y trampas.

Pero la verdadera diversión y el punto en el que el juego se vuelve un desafío de estrategia es con los otros dos personajes nuevos:

Frank West es un personaje enfocado a los combos, es decir, a la sucesión de golpes encadenados para causar más daño, sin embargo, su estado inicial no genera mucho daño ni consta de velocidad que valga la pena, por lo que necesita "subir de nivel". Usando su cámara, Frank West puede incrementar su nivel y, consecuentemente, sus habilidades, armas y capacidad de daño. El uso de su cámara es uno de los puntos principales de la estrategia y cuyo poder puede ser incrementado si Frank bebe una cerveza (con el consecuente vómito que lo acompaña 10 segundos después).

Phoenix Wright es, sin duda, el personaje que demanda una estrategia más elaborada y un desempeño mucho mayor.  Siendo un abogado y no un luchador, Wright depende de movimientos que causan daño de manera indirecta al enemigo. La estrategia depende de la recolección de evidencia válida (un movimiento que te deja completamente vulnerable a cualquier ataque y que, por tanto, requiere de otros atques y asistencias para poder ejecutarlo) en el modo Investigación y de la aplicación correcta de un ataque con su característico "Objection" (con globo de texto incluido) en el modo Juicio. Una vez aplicado lo anterior, Wright se convierte en el personaje más poderoso del juego (después del jefe final, claro) y le da acceso a un ataque especial que es, cuando menos, hilarante.

Si no tienen la versión original, este es un buen momento de entrarle a este gran juego. Si ya tienen la versión original, recuerden que hay varios lugares donde pueden vender o intercambiar juegos.

 

 

Clásicos del cine de culto: Pulp Fiction

Pulp Fiction

Dir: Quentin Tarantino

Lionsgate / Miramax, 1994

La belleza de este clásico indiscutible del cine de culto radica en el excelente desempeño de Quentin Tarantino como director. Esta cinta rompió con todas las fórmulas de la época, ya sea que la tomemos como una película de acción o como una cinta alternativa. Tarantino hizo uso de tomas largas que incrementan la tensión de las escenas y diálogos memorables que le dan no solo un carácter humano, sino hasta cotidiano a las acciones totalmente fuera de serie que nos son presentadas.

La fuerza de las imágenes (tanto visuales como interpretativas) que presenta la cinta no solo cambiaron la forma en la que se hace el cine a partir de aquellos años, sino que inspiraron a toda una generación de directores y productores a contar las historias de una manera distinta.

Tarantino, aquí, hace lo que mejor sabe: cuenta una serie de historias entrelazadas jugando con la temporalidad y la capacidad de atención del espectador. Si cada una de las historias se presentaran por separado o, si se presentaran de un modo lineal, no tendrían ni remotamente el mismo efecto.

Hace apenas unos meses se reeditó este clásico en una versión restaurada y remasterizada (autorizada por el mismo Tarantino) en un disco Blu-ray que contiene una buena cantidad de extras, incluyendo una serie de entrevistas con casi todo el elenco de la película que ofrece un excelente panorama del proceso de filmación tras la cinta.

Extremadamente recomendable.

Video: Batman - Year One

Batman - Year One
Dir: Lauren Montgomery / Sam Liu
Warner Premiere / DC Entertainment, 2011

Basado en la novela gráfica del mismo nombre escrita y dibujada por Frank Miller (a quien quizás conozcan por su trabajo en 300 y Sin City), esta cinta cuenta la historia de cómo Batman comenzó su carrera.

Aún así, el principal atractivo de esta historia (tanto de la novela gráfica como de la cinta en sí), es que la historia no es contada desde el punto de vista del personaje de Batman, sino más bien desde el punto de vista de uno de sus personajes secundarios más importantes: el entonces detective Jim Gordon.

A través de los ojos de Gordon, podemos observar el estado en el que se encuentra la ciudad que dio origen al personaje: corrupción en las más altas esferas del poder, crimen en las calles, impunidad... Todos los elementos conllevan a la aparición del personaje y, aún así, es la presencia de Gordon en la trama la que genera la más grande carga dramática de la historia.

Como un bonus, el cortometraje de Catwoman es bastante bueno. Los extras del Blu-ray son bastante interesantes, incluyendo el primer capítulo de la novela gráfica original en versión de Motion Comic.

Muy recomendable para fans y para quienes quieran acercarse a la historia de Batman desde un tono más serio y sombrío (como se supone debió ser siempre).

El siguiente tema es: Apuntes... también participa del "Buen Fin"

Dejemos a un lado la negatividad que nos caracteriza por un momento. ¿Para qué hablar acerca de los verdaderos motivos que se esconden tras una de las estrategias económicas más criticadas del gobierno mexicano?

En vez de eso, sumémonos a la descuentiza (aunque un poco tarde, lamentablemente) y presentemos las excelentes promociones que Apuntes de un Rencoroso tiene para ustedes en este fin del "Buen Fin".

No esperen rock rebajado al 50%, para eso existen varias estaciones de radio en el DF... Esta es una promoción mínima de 2x1 (en algunos casos, la ganga es incluso más jugosa).

MP3: Radiohead - Polyethylene (Parts 1 & 2)

Opción obvia en nuestras promociones. Si las ofertas no los invitan a descargar, la excelencia creativa e interpretativa del quinteto de Oxford seguro lo hará.

MP3: Belle and Sebastian - Your Cover's Blown

Otra canción multipartita. Aquí, podemos observar claramente las partes que componen al producto si prestamos atención a los deliciosos cambios de ritmo.

MP3: My Morning Jacket - Off The Record (Live)

Acá, la división entre partes dentro del producto nos hace pensar no solo que estamos escuchando otra canción, ¡sino incluso que estamos escuchando a una banda distinta!

MP3: Laura Marling - Sophia

Empezar con una canción desnuda y subir de tono con toda la fuerza que su voz y su creación pueden ofrecer ya es un truco conocido de esta joven cantautora.

MP3: Pink Floyd - Echoes (Live)

La madre de todas las canciones multipartes. La versión oficial la divide en dos partes, separadas por un puente de sonidos espectrales. Las versiones extraoficiales cuentan que la canción consta hasta de 6 partes, ¡lo que convierte a esta oferta en un incomparable 6x1!

Libro: Orgullo y Prejuicio y Zombies

Orgullo y Prejuicio y Zombies
Jane Austen and Seth Grahame-Smith
Umbriel Editores

Reimaginar un clásico no es algo tan nuevo como se pudieran imaginar. Aún así, esta reinvención de la clásica novela romántica de Jane Austen mediante la inclusión del mito zombie cautivó a los lectores de una forma inaudita, convirtiéndose en motivo de culto y generando una horda de secuelas, precuelas y adaptaciones similares que circulan por ahí.

Seth Grahame-Smith no trata de impresionarnos acerca de su conocimiento de la literatura clásica inglesa, ni tampoco trata de mostrar su increíble habilidad para la prosa. Este es simplemente el trabajo de alguien que disfruta escribiendo y, como tal, se trata de un trabajo divertido y de una lectura ágil y entretenida.

Excelente lectura, adecuada para uno de estos fines de semana donde uno desearía que la Ciudad de México cayera víctima de la epidemia zombie y así se pudiera disfrutar caminar (o correr en pánico) a través de unas calles vacías...

Videojuego: Batman: Arkham City

Batman: Arkham City
Rocksteady / WB Games

No todos, pero una buena cantidad de personas en el mundo exigen que los productos en los que gastan el dinero (poco o mucho, según el caso) que ganan tengan un nivel de calidad que esté de acuerdo o, preferentemente, por encima de sus expectativas. El nivel de esas expectativas, a su vez, también es muy variable dependiendo del nivel socioeconómico y cultural de la persona en cuestión. Esto hace que entregar un producto verdaderamente de calidad se convierta en una tarea terriblemente difícil.

En la industria del videojuego, esta tarea se ha venido tratando de solucionar mediante el lanzamiento de contenido descargable que convierte la experiencia de juego en algo mucho más grande e interesante...

Pero, ¿por qué el usuario debe esperar a que este contenido esté disponible e, incluso entonces, por qué pagar una cantidad económica por el mismo? ¿No sería acaso mejor que el usuario tenga acceso a un juego entretenido y monumental desde el momento mismo de la compra y que, si es no es suficiente, se decida a comprar contenido descargable más adelante?

Batman: Arkham City no basa su calidad en contenido descargable, sino en el contenido mismo del disco. Basta con experimentar unos cuantos minutos del modo historia para adentrarnos en la trama, volarnos la cabeza con la jugabilidad y mostrarnos la manera de generar un tributo honesto a 70 años de historia del Caballero Nocturno.

La historia, continuación directa de Batman: Arkham Asylum, extiende la narrativa para incluir a una buena cantidad de personajes de la galería de villanos del superhéroe, sin sentirse forzada. Entre la historia principal y el montón de historias alternas y sub-misiones, el videojuego ofrece una experiencia impresionante en un entorno cuasi-abierto.

Sin duda, una excelente recomendación para los seguidores de Batman y para aquellos que disfrutan de los videojuegos de acción. No recomendado por cierto, si no te gustan los videojuegos donde se propinen sandwiches de nudillos cada que sea posible.

Corona Capital Fest / 15-10-2011 / Curva 4 Autódromo Hnos. Rodríguez, Ciudad de México

Es muy sencillo gustar de la música. Ésta, por sí sola, tiene la capacidad de despertar diversas sensaciones en el ser humano. Muchas veces, es esto a lo que los músicos recurren al momento de crear: tratan de inducir estas sensaciones, estos estados, en las personas que los escuchan.

Así, bandas como Austin TV y Mogwai inducen esos ciertos estados y despiertan esas sensaciones valiendose únicamente de las melodías que pueden generar con sus instrumentos. Se dirigen a esa parte de nosotros que busca estructuras intrincadas como parte del disfrute de una pieza auditiva.

Algo distinto hacen bandas como Disco Ruido y Cansei de Ser Sexy, cuya inclinación es más hacia la generación de música bailable para despertar en su público un estado de euforia.

Incluso, un enfoque distinto es el que eligen bandas como The Strokes o The Editors que basan su presentación en la generación de una conexión generacional a través de su música, creando lo que muchos consideran "himnos" generacionales.

Así, un festival como el Corona Capital de este año, se convirtió en un desfile de influencias, estilos y métodos. Cada banda trató como mejor pudo de crear una conexión con su público y, como suele suceder en estos casos (los de los festivales masivos), cada una de ellas lo logró en mayor o menor medida.

Aún así, me permito la libertad de resaltar el caso de Portishead. Portishead, como agrupación, busca generar una conexión con su público mediante la aplicación de una fórmula poco convencional: la de la ejecución.

El arma favorita de Portishead para volarle la cabeza a su público es su inmaculada ejecución. No confundir con una ejecución estéril en donde los sonidos son idénticos a sus contrapartes de estudio. Aquí hablamos de una ejecución sobervia de instrumentos, a cargo de Geoff Barrow y Adrian Utley junto con algunso músicos de sesión, y voz, a cargo de Beth Gibbons, por igual.

Sin duda la conexión por este medio es no solo la más honesta, sino también la más poderosa. Tanto público como banda se ven igualmente arrasados por este sentimiento sorpresivo de tristesa eufórica: dan ganas de llorar mientras ríes sin poder creer lo que sientes. Fue más que obvio que Beth Gibbons lo sintió por igual, al dejar a un lado su actitud sobria y reservada que la caracteriza y acercarse a ese público con el que logró la comunión. Al final, su voz, ahogada en esa sensación, solo pudo emitir un agradecimiento.

Libro: 1Q84 - Libros 1 y 2

1Q84 (Libros 1 y 2)
Haruki Murakami
Tusquets Editores

Murakami es uno de mis escritores favoritos. Sus textos poseen la exquisita cualidad de crear mundos que al mismo tiempo son y no son parte de este mundo real.

Esta idea es precisamente la parte primordial de esta obra y su eje. ¿Qué tal si un día pasamos a través de un portal (no sabemos qué forma tiene) y de pronto nos encontramos en otro mundo? Un mundo que es y a la vez no es el mundo que conocíamos.

Los personajes de esta novela atraviesan por una situación similar. En un punto de sus vidas cruzaron un portal y de pronto se hallaron a sí mismos en un mundo distinto, aunque siniestramente similar al mundo "real". Estos personajes (como es una constante en las historias de Murakami) se muestran como seres multidimensionales con los que es sumamente sencillo relacionarse e identificarse.

Esta edición presenta los primeros dos libros de esta novela que fue estructurada del mismo modo que "El clave bien temperado" de Bach (la música clásica, y en particular la música de Bach, se basa en la creencia en un destino irrevocable: el desarrollo de la pieza no puede terminar mas que de una sola manera). Se espera que el tercer libro se publique próximamente.

Cine: X-MEN First Class

X-MEN First Class
Dir: Matthew Vaughn

Para aquellos que no lo sepan, y a diferencia de lo que la cinta de 1989 de Tim Burton, Batman, nos hizo creer, el Guasón no creó a Batman y Batman no creó al Guasón. Las libertades creativas que se tomaron para la realización de esa película aún hoy en día se consideran como unas de las más terribles entre los fanáticos.

Sin embargo, hay que reconocer que sería francamente aburrido ver en cinta el origen de un personaje o su historia exactamente de la misma manera en la que fue contado previamente. Son precisamente esas libertades creativas las que aderezan dichas historias y las convierten en algo nuevo y disfrutable. La cuestión reside en no tomarse demasiadas libertades creativas.

X-MEN First Class narra una historia de orígenes. El foco de la historia es el origen de la relación antagónica entre Charles Xavier y Magneto, ambientada a finales de la década de los 60s y con la amenaza de una guerra termonuclear como telón de fondo. No se trata de una historia compleja y, sin embargo, cumple bastante bien con sentar los antecedentes necesarios para lo que se presentó en las 3 películas principales de X-Men.

Las actuaciones son buenas dentro de lo que se espera de una película de esta naturaleza. Aún así, la actuación de Michael Fassbender me parece de lo más rescatable de la cinta, llevando la carga dramática en todo momento. La actuación de Kevin Bacon como el principal antagonista de la cinta es también bastante buena.

En fin, para los que se quejan de la inconsistencia con respecto a los cánones históricos de los X-Men, les recomendamos que tomen esta historia como solo eso: una historia más.

Rammstein @ Palacio de los Deportes / 27-05-2011 / México, D.F.

Es fácil atribuir la fuerza que se percibe al escuchar la música de Rammstein al idioma que utilizan, pero es del todo cierto. Si bien las letras en alemán le dan una estética muy particular a sus canciones, los miembros de Rammstein aderezan esas composiciones con poderosas guitarras, guiños al electro de los 80s y una batería precisa, casi mecánica.

Sin duda alguna, esa fuerza impresa en las canciones se siente y se refleja en la actitud del público. Resulta muy complicado escuchar varias de sus piezas sin sentir la necesidad de agitar la mata un poco. Así es como esta banda de rock industrial ha podido ganarse un lugar muy especial en el gusto de los mexicanos allá donde otras bandas no lo han logrado del todo.

La teatralidad y majestuosidad de su show en vivo solamente ayudan a que esas piezas adquieran más fuerza. Ayudan a darle, si bien no un mayor significado, sí una sutileza como de cuento de hadas a todo lo que se ve ahí. Al final, queda una sensación como de haber visto a Rammstein en tus sueños...

Algo un poco decepcionante, sin embargo, fue la complacencia que la banda mostró en determinado momento para con el público mexicano al cantar su canción Te quiero puta, que, sin duda, es de las favoritas del público (mi teoría es que es la única que realmente se saben), pero que carece visiblemente de esa fuerza de la que hablamos más arriba.

Aún así, se trató de una velada excelente con casi 2 horas de pura masacre auditiva (de la buena). Valió la pena respirar todos esos gases tóxicos que liberaban las fuentes de fuego, los fuegos artificiales, las alas lanzallamas, los bozales lanzallamas, etc., etc.

Videojuego: Marvel vs, Capcom 3

Marvel vs. Capcom 3
Capcom

Esta es la tercer entrega en la mítica serie de videojuegos de pelea que Capcom produce y que comenzaron con X-Men vs. Street Fighter... Aunque, de hecho, comenzó antes, con un juego llamado X-Men: Children of the Atom. La serie reúne a personajes icónicos de la casa productora de cómics Marvel con personajes semi-icónicos de la casa productora de videojuegos Capcom.

Las diferencias, sin embargo, con sus predecesores, son enormes. Hablemos solo de la entrega anterior: a diferencia de su predecesor, Marvel vs. Capcom 3 no es una vorágine de personajes, poderes, movimientos, luces y demás pirotecnia gráfica en 2D. Esta es una vorágine (no de personajes, eso les molestó a muchos) de poderes, movimientos, luces y demás pirotecnia gráfica en 3D.

La onda está así: escoges a 3 personajes distintos y te enfrentas a otros equipos de 3 personajes hasta enfrentarte a un jefe final (más poderoso y grande). Al vencerlo, ganas el juego. Al ganar el juego desbloqueas cosas (incluyendo otros personajes). Sencillo. A pesar de que en esta entrega se prometió una historia sólida, no hubo tal cosa sino solamente historias situacionales entre los personajes de ambas casas.

Las gráficas en 3D le sientan bien al juego y le dan una mucha mayor espectacularidad al mismo sin detener con ello la constante e imparable masa de luces y colores que vemos en pantalla.

Los personajes elegidos para el juego son cuestionables y el ahondar en ello nos llevaría horas. Aún así hay adiciones grandiosas como Amaterasu (del videojuego Okami), Phoenix (de los X-Men), Wesker y Chris (de Resident Evil), Thor (quien no se luce, pero hace su trabajo y ya merecía salir en un videojuego), Haggar y Arthur (personajes de videojuegos clásicos, quienes recién se estrenan en videojuegos de pelea), Super Skrull, Dormammu y M.O.D.O.K. (interesantes super villanos de Marvel que le dan mayor variedad al tipo de personajes), Dante y Trish (de Devil May Cry), She-Hulk y el super carismático Deadpool (quienes le pone en la madre verbalmente a todos los personajes). Otros personajes nuevos en la serie son C. Viper, Zero, Hsien-Ko, Viewtiful Joe (los cuatro habían aparecido en videojuegos de peleas, pero no de la serie), Spencer, X-23 y Taskmaster.

Otros personajes regresan: Captain America, Ryu, Iron-Man, Morrigan, Hulk, Chun-Li, Spider-Man, Felicia, Wolverine, Dr. Doom, Tron, Storm, Magneto, Akuma, Sentinel, Jill, Shuma-Gorath (estos dos últimos solo son accesibles como descarga).

Una de las mayores promesas del juego es que dispondrá de mucho contenido descargable en el futuro, aunque, personalmente (y debido al enlace emocional que la serie tiene con mi juventud), considero que ya es un excelente juego por sí solo.

Además, el poder convertir a Phoenix en Dark Phoenix (con el obvio aumento de poder que eso conlleva), el detener el tiempo con Amaterasu, el poder ganarle a alguien usando a M.O.D.O.K., el ayudar a Sir Arthur a rescatar a su princesa y el poner a Deadpool a golpear a los contrincantes con la barra de vida... es la neta.

Algo que olvidaba mencionar es el excelente trato que se les dio a los personajes en este juego, permitiendo que interactúen entre ellos como nunca se había visto. Es hilarante escuchar a Shuma-Gorath coqueteandole a Hsien-Ko del mismo modo en el que Iron-Man le coquetea a todo lo que se mueve.

Cine: The Lincoln Lawyer

The Lincoln Lawyer
Dir: Brad Furman

Hace mucho que no me metía a ver una película sin muchas espectativas y dejaba que la película me volara la cabeza.

Ahora, no me malinterpreten, The Lincoln Lawyer no es la novena maravilla ni mucho menos. Simplemente se trata de una película muy buena. Su trama es excelente con el número de giros sorpresivos (pero a la vez esperados, lo cual es bueno) exacto para mantener la atención del público. Las actuaciones son bastante buenas y la historia en sí es algo que me llama mucho (soy fan de las historias policiacas).

Considero innecesario comentar más al respecto. Aprovechen para ver esta cinta y disfruten de una historia ágil, inteligente y con toques de buen humor. Excelente para ser una película comercial.

Cine: Thor

Thor

Dir: Kenneth Brannagh

Hace poco leí por allí un comentario que decía que su autor ya no podía decidirse entre disney, pixar o marvel por el premio de quién hacía las peores películas. Me da gusto anunciarle a esa persona que no es necesario decidir, puesto que, en realidad, la lana para las tres productoras sale del mismo sitio hoy en día.

Thor es una combinación entre un drama shakespeariano (la especialidad de Brannagh) y una película de acción de alto presupuesto. Ahora, todos sabemos que una combinación de esta naturaleza es completamente imposible de lograr, esta cinta nos muestra que no estamos equivocados.

La acción es buena y rápida, sin efectos para la trama. La trama es buena, pero se queda corta. Los efectos están a la altura de lo que se esperaba, pero eso no hace a la película buena... En fin, al final, Thor deja con poca satisfacción y solo unos cuantos caramelos visuales.

Una cosa muy rescatable de la cinta es el villano. Loki es uno de los villanos más importantes del universo Marvel y, a la vez, uno de los menos apreciados por el público. Los villanos de las cintas de Marvel han probado hasta ahora ser o bien unos segundones (¿alguien ubica al Iron Monger de los comics?), o bien unos muy mal interpretados buenos villanos (el Dr. Doom no se la creía ni él y Galactus era nomás una nube en el cielo), pero Loki mantiene ese aire de devastación psicológica que lo caracteriza y su icónico modus operandis.

El personaje de Thor, por otro lado, sufre de una transformación psicológica inexplicable cuando se entera de que su padre ha muerto... Disculparán ustedes si no me la creo...

Les ruego, por favor, que si son fans o están interesados en los planes cinematográficos de Marvel, no se retiren de la sala de cine hasta que terminen los créditos. La escena final presenta guiños a lo que será la cinta del Captain America (que, esperemos muestre a otro gran villano) y a la cinta de Avengers.

Battles @ Festival de Mayo / 14-05-2011 / Plaza de la Liberación, Guadalajara, Jal.

Fotografía: Mon

En mi opinión, el más grande acierto que una banda puede tener es no ser complaciente con su público. La mejor prueba de la calidad de una banda es su capacidad de llevar al público al límite. Battles hace justo eso.

Battles, para quienes no estén familiarizados con ellos, son una banda neoyorquina de lo que comúnmente se conoce como "Math Rock" y a lo que también pudieramos cómodamente como rock experimental. Sus integrantes son miembros relativamente conocidos de la escena pues pertenecieron a bandas de culto como Don Caballero, Helmet y Lynx.

Su primer álbum Mirrored obtuvo una inusitada atención por parte del público y la crítica, su música fue incluso utilizada en numerosos juegos de video, películas, etc. En 2010, Tyondai Braxton, el cuarto miembro de la banda y encargado de los teclados, guitarra y sampleos vocales, decidió retirarse de la misma para continuar con su trabajo como solista.

Su segundo álbum Gloss Drop aparecerá en apenas unas cuantas semanas e incluye colaboraciones con Gary Numan y Kazu Makino, vocalista de Blonde Redhead.

Ahora, antes de que piensen que todo lo anterior era para aburrirlos: El concierto de Plaza de la Liberación presentó piezas precisamente de su próximo álbum. Esto es siempre un movimiento difícil de ejecutar, puesto que las personas que atienden al concierto no conocen dichas piezas. Aún así, una banda de la calidad de Battles puede hacer el truco tan solo con su tremenda interpretación. Así, los allí presentes pudieron presenciar algunas piezas excelentes con sampleos imposibles a cargo de Dave Konopka en la guitarra y el bajo, experimentaciones asombrosas de la mano de Ian Williams y la siempre presente y poderosísima batería de John Stainer.

Un concierto excelente, en una locación bastante buena (la plaza da un toque clasicista a las monumentales paredes de sonido que forma la banda) y que cumple a la perfección su cometido: dan muchísimas ganas de comprar YA el nuevo disco.

Por cierto, la banda telonera, Sutra, no lo hace nada mal tampoco, con sus fusiones de rock progresivo y elementos étnicos. El cover que realizaron a Neu fue magnífico.

Música: Radiohead

Radiohead

The King Of Limbs

2011

Acabo de darme cuenta de que esta es la primer reseña que escribo en casi 3 años... Espero no haber perdido el toque. En fin, comencemos:

The King of Limbs es el octavo disco de estudio de Radiohead, famosa banda de Oxford que... Ay, por favor... no vamos a comenzar así. Este es un disco demasiado especial como para reseñarlo así... A ver, otra vez:

The King of Limbs es una pieza que lo mismo nos puede parecer oscura y deprimente que discreta y melódica. Se trata de una obra con momentos épicos que... Ay, no... creo que ya lo perdí... Ya no me sale como antes...

Teh King of Limbs... ¡Maldición! Ahora hasta con faltas de ortografía...

Ok, último intento:

Una pieza breve y delicada, pero llena de ritmo y misticismo. Un compendio de capas interpuestas de beats y sonidos que dan como resultado una atmósfera que pudiera sonar aterradora, pero que en realidad solo despierta lo que ya existe dentro de cada uno: miedos, angustia, alegrías, todo está ahí.

De ahí vienen tantas opiniones encontradas respecto a este trabajo. Nadie parece ponerse de acuerdo con los calificativos correctos puesto que no los hay. Encasillar esto es un crímen. Hay los que dicen que suena como una continuación del trabajo en solitario de Thom Yorke y tienen razón, pero también la tienen los que dicen que suena a la evolución natural del sonido de la banda. Hay quienes dicen que suena como una compilación de lados b con la intención de decir que es malo y también hay quienes dicen exactamente lo mismo con la intención de decir que es bueno.

Y yo, un reseñista que debe volver a aprender a hacer lo que antes hacía con tanta naturalidad, le puedo poner todos los adjetivos que se me ocurran. Estaré en lo correcto y, a la vez, equivocado.

Pueden descargar el disco en formato MP3 desde la página de la banda por solo $9. Por $40 pueden comprar la edición de colección que contiene 2 viniles, el CD y un diseño basado en los periódicos dominicales.

Sitio oficial: www.radiohead.com

MP3: Give up the ghost

MP3: Separator

Descarga oficial: www.thekingoflimbs.com